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César Charlone presenta exitosamente en Londres El baño del Papa"Es una película sobre la necesidad que tenemos todos de tener algún sueño para seguir adelante, principalmente en América Latina", así define César Charlone El baño del Papa, la obra que dirige y que acaba de presentar en el Festival de Cine de Londres.
Charlone, nacido en Uruguay y residente desde hace más de tres décadas en Brasil, fue el director de fotografía de Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles, por la que fue nominado a un Oscar. En 2003 volvió a trabajar con Meirelles en El jardinero fiel. En El Baño del Papa dirige a la vez la película y su fotografía.
El filme se basa en lo acontecido en Melo, una pequeña ciudad uruguaya cerca de la frontera con Brasil, que fue visitada en 1988 por Juan Pablo II.
Los habitantes locales, en su mayoría pobres, sueñan con mejorar su vida y Beto, un contrabandista, cree haber dado con el mejor negocio: "el baño del Papa", que será utilizado por lo que se espera serán miles de peregrinos.Charlone habló con BBC Mundo sobre su nueva película, su trabajo como director de fotografía y el nuevo filme que ha venido rodando con Meirelles, basado en una novela homónima de José Saramago.
¿Cómo surgió la idea de El baño del Papa?
La idea original es de Enrique Fernández, que es de Melo. Me buscó con su idea de la película, yo leí un primer tratamiento del guión y me gustó mucho, me pareció que había allí una idea maravillosa y acordamos hacerla juntos.
Se dice que es una película de sueños, aspiraciones, ¿también de frustraciones?
No sé si es de frustraciones, creo que más bien es de sueños, la idea es que los personajes sueñan con cosas mejores. Todos los personajes, hasta el propio periodista de esa prensa medio dudosa. Él también sueña con mejorar su vida, en mejorar su profesión, todos sueñan. Es una película sobre la necesidad que tenemos todos de tener algún sueño para seguir adelante, principalmente en América Latina.
La gran mayoría de los actores no son profesionales, ¿cómo fue juntar actores de mucha trayectoria con otros que jamás habían estado frente a una cámara?
Fue una delicia y le debo mucho a mi amigo preparador de actores Chris Duvenport, que vino conmigo de Brasil. Ya habíamos trabajado juntos en televisión y en Ciudad de Dios y me gustaba mucho su método de trabajo, de homogeneizar actores profesionales con no profesionales, que es lo más difícil.
Fue maravillosa también la generosidad de los actores profesionales y eso que no sé si se da en todos los países. Esa humildad de un actor como César Troncoso, con 30 años de escenario, la humildad y la sencillez de aceptar trabajar con un compañero que nunca había hecho nada. Eso fue muy emocionante. Y hubo situaciones, cuando estábamos a veces un poco incómodos con una escena que no salía, en que un actor que nunca había trabajado entendía que la cosa tenía que ser espontánea y de repente se daba vuelta para un actor profesional y le decía, "hacelo más natural".
Usted también es director de fotografía en esta película. ¿Por qué al final de se cita al pintor Juan Manuel Blanes?
Repasé quién había trabajado con la luz uruguaya, con ese campo uruguayo, y entre los pintores que recorrí estaban Blanes y Cúneo, que eran los que más se aproximaban a la luz que yo quería reflejar. Cuando uno va a hacer fotografía, uno busca referencias. Antes de empezar uno no sabe por dónde empezar. Es como estar frente a una pantalla blanca. Y uno empieza a buscar imágenes, referentes, que pueden ser fotos, grabados...En todas las películas he pasado por estilos de pintura que de repente tienen que ver, de pronto aparece una imagen que a uno le dice algo.
¿Qué hace un director de fotografia?
Un director de fotografia ayuda al director a contar su historia. El director tiene una historia, tiene actores, un guión y tiene muy claro cómo lo quiere hacer o no lo tiene tan claro. Entonces nosotros vamos en ese límite.Hay un director de fotografía amigo, que dice "nosotros los fotógrafos somos como prostitutas, satisfacemos al cliente". Yo creo que es una alegoría muy justa, porque tiene mucho que ver. Si el director la tiene muy clara, nos toca poner la cámara, las luces y filmar. Si el director no la tiene tan clara nosotros vamos buscando y buscando hasta que satisfacemos su deseo.
¿Puede elegir una escena de Ciudad de Dios o de El jardinero fiel y ayudarnos a apreciar su trabajo como director de fotografia?
En Ciudad de Dios usamos el esquema más sencillo de cámara en mano, de documental, como que fuera un padre filmando a sus hijos En el caso de aquella película yo creo que lo que llama la atención es que por una contingencia técnica, por el hecho de que los actores eran no profesionales, eran niños, muchachos jóvenes que nunca habían visto una cámara, nosotros no queríamos importunarlos, incomodarlos con un aparato técnico muy complicado.
Entonces usamos el esquema más sencillo de cámara en mano, de documental. Un padre en su casa con una cámara de video que va a filmar a sus hijos en el cumpleaños no le dice a sus hijos "parate aquí, movete para allá". Va siguiendo al nene porque lo quiere filmar en su espontaneidad.
Y eso fue creo lo que le gustó a la gente, lo que llamó la atención, que tenía ese frescor, esa naturalidad. En el cine tradicional el actor tiene que llegar a tal marca, porque ahí están el foco y la luz perfecta. En cuanto al color y a la luz, usamos un tratamiento electrónico para realzar algunos colores.
Queríamos darle a lo que era la década del 70 los colores más sicodélicos de esa época, a la década del 60 unos colores más ingenuos, cuando empezaba la película, para contrastar con la década del 80, que es cuando viene la droga pesada, la fotografía más "desagradable", más ruda, fuerte, de contrastes, de colores más pesados. Y de efecto narrativo, para que el espectador entendiera qué época era qué época.
Háblenos sobre el film que ha venido rodando como director de fotografía junto al director Fernando Meirelles Ensayo sobre la ceguera.
Ensayo sobre la ceguera está basada en la novela de Saramago, que describe esa ceguera alégorica que él cuenta como una "ceguera blanca", dice textualmente "un mar del leche". Entonces era muy sencillo hacer una fotografía que pareciera un "mar de leche", muy blanca, muy luminosa, donde toda la luz y toda la imagen están todo el tiempo llamando la atención para que el espectador se concientice de la importancia del mirar, del observar, de tener conciencia de lo que ve.
¿Cómo se crea ese tipo de luz?
Conceptualmente, es en un trabajo de mesa bastante intenso con el director y con el director de arte o production designer, otro personaje encargado de hacer todas las escenografías y trabajar los vestuarios y los colores para que estén coordinados con el fotógrafo, porque de nada sirve que el fotógrafo se proponga hacer una fotografía muy clara si todo el vestuario y toda la escenografía son muy negras.
Cuéntenos sobre sus próximos proyectos como director.
Tengo un proyecto con una amiga brasilera, de Porto Alegre. Pensamos en hacer una historia que tuviera que ver con esa región y tenemos un par de episodios que nos interesan de la época que creo está faltando un poco contar en Uruguay y en Brasil -en Argentina se ha contado mucho- la época del período negro de la dictadura, la operación Cóndor.Son temas que nos interesa que nuestros hijos conozcan, que se reflexione sobre eso. También hay otro proyecto, que estoy escribiendo, que tiene que ver con mi pasado uruguayo, con mi salida del Uruguay a Brasil.
¿Cómo llegó a Brasil y acabó dedicándose a esto?
Me gustaba mucho la fotografía -hablo de finales de la década del 60. América Latina vivía en polvorosa, una revolución constante y muchos vivíamos con una mochila en las espaldas. El sueño era agarrar un mochila e ir a un lado y a otro. Fui a Brasil de mochilero y conocí gente que estaba estudiando cine, y dije "cuando pare, esto es lo que me gustaría hacer". Volví a Uruguay, terminé el bachillerato y me fui a Sao Paulo, donde estaba esta escuela de cine y cursé con la intención de un día volver a Uruguay. Pero cuando terminé en el 74, Uruguay había cambiado, estaba la dictadura pesada y me fui quedando en Brasil.
¿Cómo se llamaba la escuela de cine en Sao Paulo?
Se llamaba Escuela San Luis, no existe más, la cerró la dictadura.
Si alguien quiere estudiar cine, ¿qué le recomendaría a nivel de América Latina?
Cuba, la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, donde yo fui docente.
César Charlone successfully showed El baño del Papa in in London
"It is a film about the necessity that everybody has of some dreams to continue ahead in life, mainly in Latin America", this way defines César Charlone El baño del Papa, the work that he directs and that he has just showed in the London film Festival.
Charlone born in Uruguay and resident for more than three decades in Brazil, was the director of photography of City of God by the Brazilian Fernando Meirelles, for which he was nominated to one Oscar. In 2003, he worked with Meirelles again in El jardinero fiel. In El Baño del Papa, he directs the film and the its cinematography at the same time.
The film is based on which happened in Melo, an Uruguayan small city near the Brazilain border, which was visited in 1988 by the Pope John Paul II.
The local inhabitants, most of them poor, dream of improving their life and Beto, a smuggler, believes to have found the best business: "The toillett of the Papa", that will be used, according what it is expected , by thousands of pilgrims.
Charlone talked with BBC Mundo (BBC World) about his new film, his work as director of photography and the new film that he has been shooting with Meirelles, based in José Saramago 's homonymous novel.
¿How did arise the idea of El baño del Papa?
The original idea belongs to Enrique Fernández who is from Melo city. He came to me with his idea about the film, I read a first draft of the screenplay and it pleased me a lot., I thought that there was a wonderful idea and we agree to develop it together.
Is it said that it is a film of dreams, aspirations, ¿ Is it also a film of frustrations?
I do not know if it is of frustrations, I think it is rather about dreams, the idea is that the characters dream with better things. All the characters, even the journalist of that doubtful press. He also dreams of improving his life, of improving his profession, every body dreams . It is a film about the necessity that everybody has of having a dream to move forward, mainly in Latin America.
Most of the actors are not professional ones. How was possible to join actors with a long trajectory with others that had never been in front of a camera?
It was a delight and I owe very much to my friend Chris Duvenport, an actors trainer who came with me from Brazil. We had already worked together on television and in City of God and I like a lot his method of work, of homogenizing professional actors with non professional ones, which is a very difficult thing.
It was also wonderful the generosity of the professional actors and something that I do not know if happens in all countries. That humility of an actor as César Troncoso, with 30 years of experience, the humility and the simplicity of accepting to work with a partner that had never made anything. That was very moving . And there were situations, when we were sometimes a little uncomfortable with a scene that did not turn out, and an actor who had never worked in film, understood that the thing had to be spontaneous and suddenly he turned around to a professional actor and told him, " do it more natural" .
You are also the director of photography of this film. ¿Why the painter Juan Manuel Blanes is named at the end?
I reviewed who had worked with the Uruguayan light, with that Uruguayan field, and among the either I examined were Blanes and Cúneo, who were the ones who approached to the light that I wanted to reflect. When one is going to make the photography of a film, one search references. At the beginning, one does not how to begin. It is like to be in front of a white screen. And one begins to look for images, referents, that can be photographed, engravings. In all the films I have passed through painting styles that suddenly have connection with the film. suddenly an image appears that has something to say.
¿What a director of photography do?
A director of photography assist the director in telling his story. The director has a story, actors, a screenplay and he has a very clear idea of what he wants to do or not that clear. Then we are between this limits .
There is a friend director of photography who says "we, the cinematographers, are as prostitutes, we satisfy the client." I believe that it is a very fair allegory, because it has a lot to do with the facts. If the director has a very clear idea, our mission is to place the camera, the lights and to shoot. If the director has not a clear idea, then we began to search until we satisfy his desire.
-¿Could you choose a scene from City of God or The Constant Gardener and help us to appreciate your work as director photography ?
In City of God we used the simplest outline of hand-held camera in, of the documentary, as that if were a father filming his children. In the case of that film I think that what gets the attention is that for a technical contingency, or for the fact that the actors were non professionals, children, young boys who had never seen a camera, we did not want to disturb and inconvenience them with a very technical complicated equipment.
Then we use the simplest outline of hand-held camera, of documentary. A father in his house with a video camera who is going to film his children in their birthday, he does not tell to his children "stop here, move there." He just goes following the baby because he wants to film them in their spontaneity.
And I think that was what people enjoyed, what got the attention and that had that coolness, that naturalness. In traditional film the actor has to get to a mark, because there are the focus and the perfect light. In regard to the color and the lights, we used an electronic treatment to enhance some colors.
We wanted to give to the 1970s decade the more psychodelic colors of that time, to the 1960s decade some more ingenuous colors when the film began, to contrast with 1980s decade that is when arrives the heavy drug, the "most unpleasant" photography, ruder and strong photography , of contrast and heavier colors. And with a narrative effect, so that the spectator understood what time was each time.
Lets talk about the film that you has been shooting as director of photography with the filmmaker Fernando Meirelles, Blindness.
Ensayo sobre la ceguera is based on Saramago´s novel, it describes that allegorical blindness that he tells as a "white blindness " he says textually " a sea of milk (a lot of milk").Then it was very simple to make a photography that seemed a "sea of milk", very white, very luminous, where the whole light and image are the whole time getting the attention so that the spectator is informed of the importance of looking, of observing, of having conscience of what s/he see.
How is it possible to create that kind of light ?
Conceptually, it is a quite intense desk work with the film aad art directors or production designer, another figure in charge of making all the set design and of aking that the costume and the colors so that are in harmony with the with the work of the director of photography, because it is of no use that the director of photography intends a very clear photography if the the costume and the set design are all very black.
Tell us about your future projects as director.
I have a project with a Brazilian woman, a friend of mine from Porto Alegre. We think of making a story related to that region and we have a couple of episodes which interest us to tell, about a time that I think is little represented in Uruguay and Brazil – In Argentina it has been told very often – The time of the dark period of the dictatorship, the Condor operation.
They are topics that we are interested that our children know about and people reflect on them. There is also another project that I am writing that is related with my Uruguayan past, with my exit from Uruguay to Brazil.
How did you arrive to Brazil and end being devoted to this work?
I liked photography very much - I am speaking of the late 1960s- Latin America lived in an uproar, a constant revolution and some people lived with a rucksack in their backs. The dream was to get a backpack and to go from one place to the other. I went to Brazil with my backpack and knew people who were studying film, and I said "when I stop, this is what I want to do". I returned to Uruguay and finished high school and I went to Sao Paulo, where was this film school was and I studied with the intention of returning one day to Uruguay. But when I finished in 1974, Uruguay had changed, there was an aggressive dictatorship and gradually I stayed in Brazil.
How was called the film school in Sao Paulo?
It was called San Luis School, it does not exist any more, it was closed by the dictatorship.
If somebody wants to study film, what would you recommend at a Latin American level?
Cuba, the International Film and Television School (Escuela Internacional de Cine y Televisión) of San Antonio de los Baños, in Havana, Cuba, where I studied.
(Fuente: Redacción BBC Mundo )