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ENTREVISTA

Daniela Thomas: Para hacer cine hay que sentirlo

Por Alain Arias Barreto

Sencillamente encantadora, es el mejor calificativo para caracterizar a esta mujer, abrigada de una profunda timidez y una sensibilidad especial para entender el cine. Casada con el también director Gerald Thomas, Daniela Thomas ha desarrollado una versátil carrera, combinando el trabajo en el cine con el diseño escenográfico. La realizadora vino al Festival de La Habana para presentar su más reciente obra junto a Walter Salles, Línea de pase.

¿Cómo entiende el cine?

Para hacer cine hay que sentirlo. El realizador tiene que encontrar en sus películas la fórmula para canalizar su subjetividad. Cuando nosotros hacemos una película no estamos cazando historias para que el público las conozca y ya. Para eso están otros medios muy válidos, como el periodismo. El cine busca ir más allá. Primero siento que lo que voy a contar en la película a nivel personal debe ser contado. No busco proyectos, sino que mi entorno me exige adentrarme en diferentes aristas de la realidad, investigarlas y generar una obra, ya sea cinematográfica o teatral.

¿Cuánto influye su consolidada trayectoria como escenógrafa en la dirección de cine?

Mucho. Eso le permite a Walter Salles olvidarse un poco de la puesta en escena y concentrarse en otros apartados. Trato de estar muy al tanto de cada detalle fotografiado, de respetar mucho cada uno de los elementos que se van a ubicar dentro de un encuadre y eso se lo debo al trabajo en el teatro. Es una de las razones de por qué el trabajo entre Walter y yo fluye tan fácilmente. Él es un director que no necesita de compañía para producir excelentes películas. Sin embargo, mi forma de entender el cine y realizarlo hace que en muchos de sus proyectos estemos juntos.

¿Cuánto significó Tierra extranjera en su posterior carrera conjunta?

Pienso que fue esa cinta la que definió mi carrera en el cine y sobre todo mi trabajo junto a Walter. La hicimos con un presupuesto muy reducido y un equipo pequeño. Sin embargo, era tan fuerte la temática que estábamos contando, que la película fue todo un éxito. Ahora cada vez que Walter me llama para trabajar en algo me dice: «Daniela, vamos a hacer una tierrita», recordando nuestro primer trabajo juntos. Además, Tierra extranjera definió en materia visual muchos de los presupuestos del cine que todavía hacemos.

¿Cómo define ese cine?

Soy de los realizadores jóvenes que salimos de un proceso tan terrible como fue la dictadura militar en Brasil. Veo con mucho agrado el desarrollo que están teniendo nuevos realizadores en mi país, a pesar de los problemas de financiamiento que existen. Ahora mismo se están exhibiendo Feliz navidad y La fiesta de la niña muerta, de dos actores-realizadores muy queridos en mi país. Ambas me parecen cintas muy buenas y que representan este momento que vive el cine en mi país. Estación Central y Ciudad de Dios son dos películas fundamentales para entender este cine. Ellas lograron canalizar una identificación del espectador, trascendental en la historia de este cine nuestro. Diría que son las puertas para entrar en la nueva cinematografía brasileña. Si algo tienen en común ambas, son esa sinceridad de sus realizadores para interpretar a través de ellas una realidad.

¿Cómo fue la experiencia en París yo te amo, a partir de las peculiaridades de hacer una cinta coral en términos de dirección?

Me resultó muy gratificante tener un segmento en esa cinta. Soy una gran exploradora, me gusta visitar lugares diferentes e ir armándome mis propias historias. París siempre me resultó una ciudad encantadora, y poder dar nuestra visión de latinoamericanos me entusiasmó. El trabajo fue independiente. Cada realizador propuso su interpretación de París y nadie impuso nada. Pensaba que trabajar con un equipo francés sería algo rígido, pero terminó siendo todo lo contrario, fue muy espontáneo. Eso me dio muchas ideas nuevas. El trabajo en conjunto con el resto de los directores se realizó finalizada la producción. Pude intercambiar con directores como Alexander Pynne, a quien admiro por su obra.

¿Es Línea de pase una cinta testimonial?

Es una película que se inspiró fundamentalmente en la obra documental de muchos realizadores brasileños como Eduardo Coutinho para contar una historia de ficción. Santa Cruz, Peones o Fútbol son algunos de los documentales que nos permitieron ir apropiándonos de esa temática que debía ser contada. La situación de los niños y jóvenes en una megalópolis como Sao Paulo es triste y asombrosa. Esos muchachos que aparecen en la cinta pueden ser cualquiera de los cientos de muchachos que hoy se abren camino en esa ciudad o en otras de las grandes ciudades brasileñas. La pobreza es un destino. Marca la vida de esos muchachos desde que nacen, y condiciona su comportamiento. A veces la vida apresurada no permite detenernos en los que están creciendo a nuestro lado. Esta película pretende eso, detenernos en ellos.

¿Cómo funcionó la cinta en Brasil?

En dos sentidos opuestos. La crítica elogió mucho la película. Manifestaron que era una cinta con una historia muy concisa y una visualidad muy interesante. El público brasileño se sintió identificado. Muchos de los que asistieron al cine dijeron haberla disfrutado mucho. Sin embargo, existe en estos momentos en Brasil cierta apatía respecto a películas que reflejen la pobreza como tema central. Quizás se trate de la saturación en las pantallas respecto a ese tema. La cantidad de personas que asistió a su proyección no fue la que esperamos.

¿Qué le ha parecido la acogida en este Festival?

En las presentaciones el cine ha estado muy lleno y eso me aterra y a la vez me emociona mucho. Tengo un temor enorme a enfrentarme a multitudes. A veces pienso que voy a morir frente a ellas. Pero estar aquí, en un lugar tan importante para el cine latinoamericano como este, es un placer. Recién llegué de Tokio y es muy interesante contrastar dos culturas diferentes ante un mismo fenómeno, que es el cine. De igual forma, poder compartir con amigos que hacemos lo mismo me llena de alegría y energía.

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