LIBROS
Lo Duca
«El dibujo animado», ensayo originalmente editado en francés, y escrito por Lo Duca, fue traducido y publicado en 1957 por la entidad argentina Ediciones Losange, como número 13 de su colección Estudios Cinematográficos, primer libro en español sobre el género de los dibujos animados que se publicaba en Argentina. Luego de una introducción de Walt Disney el autor repasa la historia de la animación a nivel mundial desde sus orígenes hasta las década de los cincuenta. Dos particularidades podrían definir este título, la primera de ellas es que el autor elabora su texto después de haber entrevistado a muchos de los protagonistas, de forma que la información llega de fuentes directas. La segunda es comprobar como era visto el género por la crítica por aquellos años, sin la perspectiva que da el tiempo cuando miramos atrás.
«El dibujo animado», ensayo originalmente editado en francés, y escrito por Lo Duca, fue traducido y publicado en 1957 por la entidad argentina Ediciones Losange, como número 13 de su colección Estudios Cinematográficos, primer libro en español sobre el género de los dibujos animados que se publicaba en Argentina. Luego de una introducción de Walt Disney el autor repasa la historia de la animación a nivel mundial desde sus orígenes hasta las década de los cincuenta. Dos particularidades podrían definir este título, la primera de ellas es que el autor elabora su texto después de haber entrevistado a muchos de los protagonistas, de forma que la información llega de fuentes directas. La segunda es comprobar como era visto el género por la crítica por aquellos años, sin la perspectiva que da el tiempo cuando miramos atrás. Jeremy Kagan
Desde hace más de una década el Gremio de Directores de América ha venido celebrando anualmente una serie de seminarios por los que han desfilado todos los directores nominados al Oscar en la categoría de mejor director. Steven Spielberg, Clint Eastwood, Quentin Tarantino y otros muchos más nos hablan directamente en este libro de su visión personal acerca del oficio de hacer películas. «Estas entrevistas, magníficamente editadas, te ponen en estrecho contacto con algunos de los espíritus de más talento del mundo del cine mientras cuentan, con abundantes anécdotas y a menudo con humor, cómo crearon sus obras más memorables.»
Desde hace más de una década el Gremio de Directores de América ha venido celebrando anualmente una serie de seminarios por los que han desfilado todos los directores nominados al Oscar en la categoría de mejor director. Steven Spielberg, Clint Eastwood, Quentin Tarantino y otros muchos más nos hablan directamente en este libro de su visión personal acerca del oficio de hacer películas. «Estas entrevistas, magníficamente editadas, te ponen en estrecho contacto con algunos de los espíritus de más talento del mundo del cine mientras cuentan, con abundantes anécdotas y a menudo con humor, cómo crearon sus obras más memorables.»Arturo Agramonte, Luciano Castillo Rodríguez
Cronología del cine cubano tomo cuarto,abarca los años de 1953 a 1959. En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el título de Cronología del cine cubano aparece la investigación histórica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagación que desborda la modestia de su título. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigación hemerográfica y archivística, insólita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.
Cronología del cine cubano tomo cuarto,abarca los años de 1953 a 1959. En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el título de Cronología del cine cubano aparece la investigación histórica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagación que desborda la modestia de su título. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigación hemerográfica y archivística, insólita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.Luis Álvarez Álvarez
El libro conjuga, en perfecta armonía, didactismo, amenidad y un abarcador conocimiento de casi todo lo que un amante del séptimo arte quiera saber para disfrutarlo con mayor plenitud: desde los principales componentes de una filmación hasta el desarrollo del pensamiento cinematográfico universal, latinoamericano y cubano. Este libro no es un diccionario, ni un manual, ni tampoco un estudio académico, pero sí un panorama esclarecedor de términos técnicos, pasos al filmar y elementos indispensables en la labor del rodaje, entre otros tantos aspectos tratados. Para que el lector visualice aun mejor lo que va aprendiendo y aprehendiendo, se toma como cinta ilustrativa fundamental a Blade Runner, un clásico de la filmografía de todos los tiempos. Agotada la primera edición del año 2010, la presente ha sido actualizada en algunos de los tópicos estudiados e incluye dos nuevos capítulos, centrados, respectivamente, en la crítica cinematográfica y en el auge alcanzado por el audiovisual.
El libro conjuga, en perfecta armonía, didactismo, amenidad y un abarcador conocimiento de casi todo lo que un amante del séptimo arte quiera saber para disfrutarlo con mayor plenitud: desde los principales componentes de una filmación hasta el desarrollo del pensamiento cinematográfico universal, latinoamericano y cubano. Este libro no es un diccionario, ni un manual, ni tampoco un estudio académico, pero sí un panorama esclarecedor de términos técnicos, pasos al filmar y elementos indispensables en la labor del rodaje, entre otros tantos aspectos tratados. Para que el lector visualice aun mejor lo que va aprendiendo y aprehendiendo, se toma como cinta ilustrativa fundamental a Blade Runner, un clásico de la filmografía de todos los tiempos. Agotada la primera edición del año 2010, la presente ha sido actualizada en algunos de los tópicos estudiados e incluye dos nuevos capítulos, centrados, respectivamente, en la crítica cinematográfica y en el auge alcanzado por el audiovisual. Norberto Codina
Aquí se reencuentran, si no todas, muchas obsesiones compartidas, y están compiladas algunas claves personales y/o prestadas acerca de la relación entre beisbol, cultura, cine, literatura e historia, que al final todo suele ser lo mismo. Cultura y beisbol convocan a una lectura sobre esos azares que establecen misteriosas asociaciones entre una película, una canción o una final de campeonato, expresiones legítimas de «un estad(i)o de ánimo», atravesado como en una secuencia cinematográfica, por la convicción y la incredulidad que genera el juego. «Existe la tendencia de hacer del beisbol una metáfora», escribió con tono enigmático un estudioso norteamericano. Con estas páginas se apuesta a reconocernos en esa preferencia, y sustentarla con todos los ingredientes de un argumento o un guion que defienden el beisbol como espectáculo.
Aquí se reencuentran, si no todas, muchas obsesiones compartidas, y están compiladas algunas claves personales y/o prestadas acerca de la relación entre beisbol, cultura, cine, literatura e historia, que al final todo suele ser lo mismo. Cultura y beisbol convocan a una lectura sobre esos azares que establecen misteriosas asociaciones entre una película, una canción o una final de campeonato, expresiones legítimas de «un estad(i)o de ánimo», atravesado como en una secuencia cinematográfica, por la convicción y la incredulidad que genera el juego. «Existe la tendencia de hacer del beisbol una metáfora», escribió con tono enigmático un estudioso norteamericano. Con estas páginas se apuesta a reconocernos en esa preferencia, y sustentarla con todos los ingredientes de un argumento o un guion que defienden el beisbol como espectáculo.Tomás Pérez Turrent
Este libro es una monografía dedicada al cineasta mexicano Luis Alcoriza (1918–1992), guionista y director que colaboró estrechamente con Luis Buñuel y posteriormente desarrolló una carrera propia en el cine mexicano. La obra de Tomás Pérez Turrent ofrece un repaso a su trayectoria, analizando tanto su labor como guionista en películas emblemáticas como Los olvidados y Él, como su posterior trabajo como director. Incluye láminas fotográficas y material documental que contextualiza su aporte al cine iberoamericano.
Este libro es una monografía dedicada al cineasta mexicano Luis Alcoriza (1918–1992), guionista y director que colaboró estrechamente con Luis Buñuel y posteriormente desarrolló una carrera propia en el cine mexicano. La obra de Tomás Pérez Turrent ofrece un repaso a su trayectoria, analizando tanto su labor como guionista en películas emblemáticas como Los olvidados y Él, como su posterior trabajo como director. Incluye láminas fotográficas y material documental que contextualiza su aporte al cine iberoamericano.
Este libro forma parte de la colección de Midons Editorial dedicada al análisis cultural y cinematográfico. Francisco Plaza Trinidad examina la película Reservoir Dogs de Quentin Tarantino, relacionándola con fenómenos culturales de los años setenta como la música pop, Madonna y la estética posmoderna. El texto combina crítica cinematográfica con referencias artísticas y musicales, ofreciendo una mirada interdisciplinaria sobre cómo el cine dialoga con otras manifestaciones culturales contemporáneas.Lewis Jacobs
Este segundo tomo de la obra de Lewis Jacobs ofrece un recorrido por la evolución del cine estadounidense, con especial atención a la consolidación de Hollywood, los cambios estilísticos y narrativos, y el impacto de factores sociales y políticos en la industria. Incluye fotografías en blanco y negro fuera de texto y se enmarca dentro de la colección Palabra en el Tiempo de Editorial Lumen, que buscaba acercar obras de pensamiento y cultura a un público amplio en España durante los años 70.
Este segundo tomo de la obra de Lewis Jacobs ofrece un recorrido por la evolución del cine estadounidense, con especial atención a la consolidación de Hollywood, los cambios estilísticos y narrativos, y el impacto de factores sociales y políticos en la industria. Incluye fotografías en blanco y negro fuera de texto y se enmarca dentro de la colección Palabra en el Tiempo de Editorial Lumen, que buscaba acercar obras de pensamiento y cultura a un público amplio en España durante los años 70.Osvaldo Daicich, Mariana Dosso
El libro documenta el fenómeno cultural de La Trovuntivitis, un grupo de trovadores que surgió en septiembre de 1997 en Santa Clara, Cuba, y que cada jueves se presenta en el Centro Cultural El Mejunje. La obra recoge testimonios y experiencias de sus protagonistas, mostrando cómo este movimiento se convirtió en un espacio de encuentro, resistencia cultural y renovación de la trova cubana en un contexto globalizado y de consumo masivo
El libro documenta el fenómeno cultural de La Trovuntivitis, un grupo de trovadores que surgió en septiembre de 1997 en Santa Clara, Cuba, y que cada jueves se presenta en el Centro Cultural El Mejunje. La obra recoge testimonios y experiencias de sus protagonistas, mostrando cómo este movimiento se convirtió en un espacio de encuentro, resistencia cultural y renovación de la trova cubana en un contexto globalizado y de consumo masivoWilma Granda Noboa
Este volumen reconstruye un hito histórico para la cultura ecuatoriana: la exhibición de los primeros largometrajes argumentales realizados en el país entre 1924 y 1925 por Augusto San Miguel. La autora, Wilma Granda, analiza el contexto social y cultural de Guayaquil en esa época, la recepción de las películas Se necesita una guagua (1924) y Un abismo y dos almas (1925), y la figura de San Miguel como pionero del cine nacional. El texto combina investigación historiográfica, recuperación de memoria fílmica y reflexión sobre el papel del cine en la construcción de identidad cultural en Ecuador.
Este volumen reconstruye un hito histórico para la cultura ecuatoriana: la exhibición de los primeros largometrajes argumentales realizados en el país entre 1924 y 1925 por Augusto San Miguel. La autora, Wilma Granda, analiza el contexto social y cultural de Guayaquil en esa época, la recepción de las películas Se necesita una guagua (1924) y Un abismo y dos almas (1925), y la figura de San Miguel como pionero del cine nacional. El texto combina investigación historiográfica, recuperación de memoria fílmica y reflexión sobre el papel del cine en la construcción de identidad cultural en Ecuador.
Este ensayo reconstruye y analiza la compleja relación de Gabriel García Márquez con el cine. La autora explora sus inicios como periodista y crítico cinematográfico, su paso por México como guionista antes de escribir Cien años de soledad, y su participación en proyectos de cine latinoamericano, incluyendo la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano en Cuba. El libro examina cerca de 30 largometrajes y series vinculados a García Márquez, mostrando cómo su obra literaria y su visión del audiovisual se entrelazan en un diálogo constante. Se trata de un texto clave para comprender la influencia del cine en la narrativa del Nobel colombiano y su compromiso con el desarrollo del cine regional.Rafael Utrera
La obra analiza la trayectoria de Gabriel Blanco, cineasta y teórico poco conocido pero influyente en el ámbito del cine español. Los autores exploran su relación con el psicoanálisis, la arquitectura y la pedagogía cinematográfica, así como su trabajo en cortometrajes y animación. El texto combina biografía, crítica y reflexión teórica, situando a Blanco dentro de los debates culturales de finales del siglo XX. Se trata de un libro que rescata la figura de un creador marginal y lo conecta con corrientes intelectuales y artísticas más amplias.
La obra analiza la trayectoria de Gabriel Blanco, cineasta y teórico poco conocido pero influyente en el ámbito del cine español. Los autores exploran su relación con el psicoanálisis, la arquitectura y la pedagogía cinematográfica, así como su trabajo en cortometrajes y animación. El texto combina biografía, crítica y reflexión teórica, situando a Blanco dentro de los debates culturales de finales del siglo XX. Se trata de un libro que rescata la figura de un creador marginal y lo conecta con corrientes intelectuales y artísticas más amplias.David Ramón
Este volumen forma parte de la serie Filmografía Nacional y constituye un homenaje a Ninón Sevilla, la célebre actriz cubano-mexicana que revolucionó el cine de rumberas durante la Época de Oro del cine mexicano. El autor, David Ramón, ofrece un análisis detallado de la sensualidad y el magnetismo de Sevilla en la pantalla, abordando su filmografía, el contexto histórico y cultural de sus películas, y el impacto que tuvo en la representación de la danza y la feminidad en el cine. El libro incluye fotografías, testimonios y comentarios críticos que permiten comprender la trascendencia de Ninón Sevilla como ícono cinematográfico.
Este volumen forma parte de la serie Filmografía Nacional y constituye un homenaje a Ninón Sevilla, la célebre actriz cubano-mexicana que revolucionó el cine de rumberas durante la Época de Oro del cine mexicano. El autor, David Ramón, ofrece un análisis detallado de la sensualidad y el magnetismo de Sevilla en la pantalla, abordando su filmografía, el contexto histórico y cultural de sus películas, y el impacto que tuvo en la representación de la danza y la feminidad en el cine. El libro incluye fotografías, testimonios y comentarios críticos que permiten comprender la trascendencia de Ninón Sevilla como ícono cinematográfico.Silvia Oroz
El texto estudia el melodrama como género cinematográfico en América Latina, especialmente el llamado “cine de lágrimas”. Silvia Oroz analiza cómo estas películas, a menudo despreciadas por la crítica, han sido fundamentales para la cultura popular y la construcción de identidades colectivas. La autora muestra cómo el melodrama refleja tensiones sociales, políticas y emocionales, y cómo se convierte en un espacio de resistencia cultural frente a discursos hegemónicos.
El texto estudia el melodrama como género cinematográfico en América Latina, especialmente el llamado “cine de lágrimas”. Silvia Oroz analiza cómo estas películas, a menudo despreciadas por la crítica, han sido fundamentales para la cultura popular y la construcción de identidades colectivas. La autora muestra cómo el melodrama refleja tensiones sociales, políticas y emocionales, y cómo se convierte en un espacio de resistencia cultural frente a discursos hegemónicos.Camilo Luzuriaga, Sebastián Cordero Miló
La colección Primer borrador reúne guiones cinematográficos ecuatorianos de ficción, con el objetivo de preservar la memoria audiovisual del país y ofrecer material de estudio para cineastas, estudiantes y críticos. Cada volumen presenta el guion original de una película emblemática, acompañado de análisis, entrevistas y material gráfico. Entre los títulos publicados se encuentran La Tigra de Camilo Luzuriaga y Crónicas de Sebastián Cordero, obras fundamentales en la historia del cine ecuatoriano.
La colección Primer borrador reúne guiones cinematográficos ecuatorianos de ficción, con el objetivo de preservar la memoria audiovisual del país y ofrecer material de estudio para cineastas, estudiantes y críticos. Cada volumen presenta el guion original de una película emblemática, acompañado de análisis, entrevistas y material gráfico. Entre los títulos publicados se encuentran La Tigra de Camilo Luzuriaga y Crónicas de Sebastián Cordero, obras fundamentales en la historia del cine ecuatoriano.Pio Baldelli
Este libro analiza el papel de los medios audiovisuales en la educación, explorando cómo el cine, la televisión y otros recursos visuales pueden integrarse en los procesos pedagógicos. Baldelli reflexiona sobre la relación entre comunicación y aprendizaje, proponiendo que la educación debe adaptarse a las nuevas formas de transmisión cultural. La obra se convirtió en un referente en América Latina para estudios de pedagogía y comunicación, especialmente en el contexto de los años 70, cuando los medios empezaban a tener un impacto decisivo en la enseñanza.
Este libro analiza el papel de los medios audiovisuales en la educación, explorando cómo el cine, la televisión y otros recursos visuales pueden integrarse en los procesos pedagógicos. Baldelli reflexiona sobre la relación entre comunicación y aprendizaje, proponiendo que la educación debe adaptarse a las nuevas formas de transmisión cultural. La obra se convirtió en un referente en América Latina para estudios de pedagogía y comunicación, especialmente en el contexto de los años 70, cuando los medios empezaban a tener un impacto decisivo en la enseñanza.
La obra es un drama psicológico que explora la soledad, el amor y la dependencia emocional a través de la historia de Petra von Kant, una diseñadora de moda que vive encerrada en su dormitorio. La llegada de Karin, una joven modelo, desencadena una relación marcada por la pasión, la manipulación y el sufrimiento. El texto se caracteriza por su minimalismo escénico y su enfoque en los diálogos intensos, reflejando la visión crítica de Fassbinder sobre las relaciones humanas y el poder.
La edición mexicana de El guion cinematográfico adaptó y difundió el trabajo de Ulyses Petit de Murat en un contexto donde el cine mexicano vivía una etapa de transición tras la llamada “Época de Oro”. El libro ofrece un análisis detallado de la estructura narrativa, los recursos dramáticos y las técnicas de escritura para guiones, con ejemplos aplicados tanto al cine argentino como al cine internacional. Su publicación en México permitió que estudiantes de cine y guionistas locales tuvieran acceso a un manual teórico-práctico en español, consolidando su influencia en la formación cinematográfica latinoamericana.Miguel Marías
Este libro recoge entrevistas realizadas por Peter Bogdanovich a Fritz Lang, uno de los directores más influyentes del cine clásico. La obra se centra en su etapa en Estados Unidos, donde dirigió películas como Furia (1936), Sólo se vive una vez (1937) y Los sobornados (1953). Bogdanovich explora las motivaciones, dificultades y reflexiones de Lang sobre el cine americano, ofreciendo un testimonio directo de su visión artística y técnica. Es un texto fundamental para estudiantes de cine, críticos y amantes de la historia cinematográfica.
Este libro recoge entrevistas realizadas por Peter Bogdanovich a Fritz Lang, uno de los directores más influyentes del cine clásico. La obra se centra en su etapa en Estados Unidos, donde dirigió películas como Furia (1936), Sólo se vive una vez (1937) y Los sobornados (1953). Bogdanovich explora las motivaciones, dificultades y reflexiones de Lang sobre el cine americano, ofreciendo un testimonio directo de su visión artística y técnica. Es un texto fundamental para estudiantes de cine, críticos y amantes de la historia cinematográfica.
El libro Tecnología del cine es una recopilación de textos que abordan los fundamentos técnicos del cine, desde la luz y la exposición hasta el uso de filtros, teleobjetivos y sensitometría. Haquette defiende que el cine es tanto arte como técnica, y que no puede valorarse una película sin considerar ambos aspectos. Es un manual de referencia para estudiantes y profesionales interesados en comprender los procesos técnicos detrás de la creación cinematográfica.Pedro Rafael Noa Romero
El libro reúne una serie de ensayos y reflexiones sobre el cine cubano contemporáneo, abordando sus paradojas, resurrecciones y transformaciones. Pedro R. Noa Romero, crítico y miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), analiza las representaciones culturales y sociales en la cinematografía nacional, ofreciendo una mirada crítica y renovada sobre la evolución del cine en la isla.
El libro reúne una serie de ensayos y reflexiones sobre el cine cubano contemporáneo, abordando sus paradojas, resurrecciones y transformaciones. Pedro R. Noa Romero, crítico y miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), analiza las representaciones culturales y sociales en la cinematografía nacional, ofreciendo una mirada crítica y renovada sobre la evolución del cine en la isla.Aelita Romanenko
Este libro es un estudio biográfico dual que profundiza en las vidas, obras y el contexto histórico de dos pilares del cine soviético de la segunda mitad del siglo XX. Aelita Romanenko, investigadora cultural, va más allá de la simple narración de sus carreras para analizar su legado como "maestros de la cultura".
Este libro es un estudio biográfico dual que profundiza en las vidas, obras y el contexto histórico de dos pilares del cine soviético de la segunda mitad del siglo XX. Aelita Romanenko, investigadora cultural, va más allá de la simple narración de sus carreras para analizar su legado como "maestros de la cultura".Osvaldo Daicich
Compilación de entrevistas a destacados cineastas e investigadores latinoamericanos, vinculados al Movimiento del Nuevo Cine Latinoamericano. Entre ellos: Ripstein, Pereira dos Santos, Sanjinés, Getino, Lombardi, Solás, García-Espinosa y Littín
Compilación de entrevistas a destacados cineastas e investigadores latinoamericanos, vinculados al Movimiento del Nuevo Cine Latinoamericano. Entre ellos: Ripstein, Pereira dos Santos, Sanjinés, Getino, Lombardi, Solás, García-Espinosa y LittínBrett Martin
A finales de los noventa el panorama televisivo vivió una transformación sin precedentes. Mientras las grandes cadenas generalistas seguían a la búsqueda del mínimo común denominador, un puñado de series artísticamente ambiciosas que reinventaban la narración televisiva aterrizaron en la televisión por cable. Series que dejaban de preocuparse por gustar al espectador medio, que se olvidaban de lugares comunes y personajes arquetípicos, de tramas cerradas y finales felices. Series como Los Soprano, The Wire o posteriormente Mad Men y Breaking Bad. De repente un estallido creativo llenaba la televisión de sexo, violencia, conflictos raciales y muerte. Igual que la novela en los años sesenta o el cine en los dorados setenta. Estas series habían sido ideadas por personajes tan complejos como sus propios protagonistas, poderosísimos showrunners, las nuevas estrellas del espectáculo; desde neuróticos y egocéntricos como David Chase y su discípulo Matt Weiner, hasta el generoso y brillante Vince Gilligan y el aguerrido reportero David Simon. Combinando el reportaje en profundidad y las entrevistas personales con el contexto histórico y el análisis cultural, este libro narra la epopeya de lo que ya se llama la tercera edad de oro de la TV. Martin nos sumerge entre bastidores para conocer el proceso creativo y los autores de esta revolución que nos ha legado historias y protagonistas inolvidables.
A finales de los noventa el panorama televisivo vivió una transformación sin precedentes. Mientras las grandes cadenas generalistas seguían a la búsqueda del mínimo común denominador, un puñado de series artísticamente ambiciosas que reinventaban la narración televisiva aterrizaron en la televisión por cable. Series que dejaban de preocuparse por gustar al espectador medio, que se olvidaban de lugares comunes y personajes arquetípicos, de tramas cerradas y finales felices. Series como Los Soprano, The Wire o posteriormente Mad Men y Breaking Bad. De repente un estallido creativo llenaba la televisión de sexo, violencia, conflictos raciales y muerte. Igual que la novela en los años sesenta o el cine en los dorados setenta. Estas series habían sido ideadas por personajes tan complejos como sus propios protagonistas, poderosísimos showrunners, las nuevas estrellas del espectáculo; desde neuróticos y egocéntricos como David Chase y su discípulo Matt Weiner, hasta el generoso y brillante Vince Gilligan y el aguerrido reportero David Simon. Combinando el reportaje en profundidad y las entrevistas personales con el contexto histórico y el análisis cultural, este libro narra la epopeya de lo que ya se llama la tercera edad de oro de la TV. Martin nos sumerge entre bastidores para conocer el proceso creativo y los autores de esta revolución que nos ha legado historias y protagonistas inolvidables. 
Este volumen recoge la mayor parte de los trabajos que Eduardo Manet publicó, entre 1960 y 1966, en la revista Cine Cubano. En ellos dejó un registro crítico que se distingue por su seriedad, profesionalismo y coherencia.