Este volumen reconstruye un hito histórico para la cultura ecuatoriana: la exhibición de los primeros largometrajes argumentales realizados en el país entre 1924 y 1925 por Augusto San Miguel. La autora, Wilma Granda, analiza el contexto social y cultural de Guayaquil en esa época, la recepción de las películas Se necesita una guagua (1924) y Un abismo y dos almas (1925), y la figura de San Miguel como pionero del cine nacional. El texto combina investigación historiográfica, recuperación de memoria fílmica y reflexión sobre el papel del cine en la construcción de identidad cultural en Ecuador.

Este ensayo reconstruye y analiza la compleja relación de Gabriel García Márquez con el cine. La autora explora sus inicios como periodista y crítico cinematográfico, su paso por México como guionista antes de escribir Cien años de soledad, y su participación en proyectos de cine latinoamericano, incluyendo la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano en Cuba. El libro examina cerca de 30 largometrajes y series vinculados a García Márquez, mostrando cómo su obra literaria y su visión del audiovisual se entrelazan en un diálogo constante. Se trata de un texto clave para comprender la influencia del cine en la narrativa del Nobel colombiano y su compromiso con el desarrollo del cine regional.

La obra analiza la trayectoria de Gabriel Blanco, cineasta y teórico poco conocido pero influyente en el ámbito del cine español. Los autores exploran su relación con el psicoanálisis, la arquitectura y la pedagogía cinematográfica, así como su trabajo en cortometrajes y animación. El texto combina biografía, crítica y reflexión teórica, situando a Blanco dentro de los debates culturales de finales del siglo XX. Se trata de un libro que rescata la figura de un creador marginal y lo conecta con corrientes intelectuales y artísticas más amplias.

Este volumen forma parte de la serie Filmografía Nacional y constituye un homenaje a Ninón Sevilla, la célebre actriz cubano-mexicana que revolucionó el cine de rumberas durante la Época de Oro del cine mexicano. El autor, David Ramón, ofrece un análisis detallado de la sensualidad y el magnetismo de Sevilla en la pantalla, abordando su filmografía, el contexto histórico y cultural de sus películas, y el impacto que tuvo en la representación de la danza y la feminidad en el cine. El libro incluye fotografías, testimonios y comentarios críticos que permiten comprender la trascendencia de Ninón Sevilla como ícono cinematográfico.

El texto estudia el melodrama como género cinematográfico en América Latina, especialmente el llamado “cine de lágrimas”. Silvia Oroz analiza cómo estas películas, a menudo despreciadas por la crítica, han sido fundamentales para la cultura popular y la construcción de identidades colectivas. La autora muestra cómo el melodrama refleja tensiones sociales, políticas y emocionales, y cómo se convierte en un espacio de resistencia cultural frente a discursos hegemónicos.

La colección Primer borrador reúne guiones cinematográficos ecuatorianos de ficción, con el objetivo de preservar la memoria audiovisual del país y ofrecer material de estudio para cineastas, estudiantes y críticos. Cada volumen presenta el guion original de una película emblemática, acompañado de análisis, entrevistas y material gráfico. Entre los títulos publicados se encuentran La Tigra de Camilo Luzuriaga y Crónicas de Sebastián Cordero, obras fundamentales en la historia del cine ecuatoriano.

Este libro analiza el papel de los medios audiovisuales en la educación, explorando cómo el cine, la televisión y otros recursos visuales pueden integrarse en los procesos pedagógicos. Baldelli reflexiona sobre la relación entre comunicación y aprendizaje, proponiendo que la educación debe adaptarse a las nuevas formas de transmisión cultural. La obra se convirtió en un referente en América Latina para estudios de pedagogía y comunicación, especialmente en el contexto de los años 70, cuando los medios empezaban a tener un impacto decisivo en la enseñanza.

La obra es un drama psicológico que explora la soledad, el amor y la dependencia emocional a través de la historia de Petra von Kant, una diseñadora de moda que vive encerrada en su dormitorio. La llegada de Karin, una joven modelo, desencadena una relación marcada por la pasión, la manipulación y el sufrimiento. El texto se caracteriza por su minimalismo escénico y su enfoque en los diálogos intensos, reflejando la visión crítica de Fassbinder sobre las relaciones humanas y el poder.

La edición mexicana de El guion cinematográfico adaptó y difundió el trabajo de Ulyses Petit de Murat en un contexto donde el cine mexicano vivía una etapa de transición tras la llamada “Época de Oro”. El libro ofrece un análisis detallado de la estructura narrativa, los recursos dramáticos y las técnicas de escritura para guiones, con ejemplos aplicados tanto al cine argentino como al cine internacional. Su publicación en México permitió que estudiantes de cine y guionistas locales tuvieran acceso a un manual teórico-práctico en español, consolidando su influencia en la formación cinematográfica latinoamericana.

Este libro recoge entrevistas realizadas por Peter Bogdanovich a Fritz Lang, uno de los directores más influyentes del cine clásico. La obra se centra en su etapa en Estados Unidos, donde dirigió películas como Furia (1936), Sólo se vive una vez (1937) y Los sobornados (1953). Bogdanovich explora las motivaciones, dificultades y reflexiones de Lang sobre el cine americano, ofreciendo un testimonio directo de su visión artística y técnica. Es un texto fundamental para estudiantes de cine, críticos y amantes de la historia cinematográfica.

El libro Tecnología del cine es una recopilación de textos que abordan los fundamentos técnicos del cine, desde la luz y la exposición hasta el uso de filtros, teleobjetivos y sensitometría. Haquette defiende que el cine es tanto arte como técnica, y que no puede valorarse una película sin considerar ambos aspectos. Es un manual de referencia para estudiantes y profesionales interesados en comprender los procesos técnicos detrás de la creación cinematográfica.

El libro reúne una serie de ensayos y reflexiones sobre el cine cubano contemporáneo, abordando sus paradojas, resurrecciones y transformaciones. Pedro R. Noa Romero, crítico y miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), analiza las representaciones culturales y sociales en la cinematografía nacional, ofreciendo una mirada crítica y renovada sobre la evolución del cine en la isla.

Este libro es un estudio biográfico dual que profundiza en las vidas, obras y el contexto histórico de dos pilares del cine soviético de la segunda mitad del siglo XX. Aelita Romanenko, investigadora cultural, va más allá de la simple narración de sus carreras para analizar su legado como "maestros de la cultura".

Compilación de entrevistas a destacados cineastas e investigadores latinoamericanos, vinculados al Movimiento del Nuevo Cine Latinoamericano. Entre ellos: Ripstein, Pereira dos Santos, Sanjinés, Getino, Lombardi, Solás, García-Espinosa y Littín

A finales de los noventa el panorama televisivo vivió una transformación sin precedentes. Mientras las grandes cadenas generalistas seguían a la búsqueda del mínimo común denominador, un puñado de series artísticamente ambiciosas que reinventaban la narración televisiva aterrizaron en la televisión por cable.  Series que dejaban de preocuparse por gustar al espectador medio, que se olvidaban de lugares comunes y personajes arquetípicos, de tramas cerradas y finales felices. Series como Los Soprano, The Wire o posteriormente Mad Men y Breaking Bad. De repente un estallido creativo llenaba la televisión de sexo, violencia, conflictos raciales y muerte. Igual que la novela en los años sesenta o el cine en los dorados setenta.  Estas series habían sido ideadas por personajes tan complejos como sus propios protagonistas, poderosísimos showrunners, las nuevas estrellas del espectáculo; desde neuróticos y egocéntricos como David Chase y su discípulo Matt Weiner, hasta el generoso y brillante Vince Gilligan y el aguerrido reportero David Simon.  Combinando el reportaje en profundidad y las entrevistas personales con el contexto histórico y el análisis cultural, este libro narra la epopeya de lo que ya se llama la tercera edad de oro de la TV. Martin nos sumerge entre bastidores para conocer el proceso creativo y los autores de esta revolución que nos ha legado historias y protagonistas inolvidables. 

Este volumen recoge la mayor parte de los trabajos que Eduardo Manet publicó, entre 1960 y 1966, en la revista Cine Cubano. En ellos dejó un registro crítico que se distingue por su seriedad, profesionalismo y coherencia.

El libro «Sergio Corrieri, más allá de memorias…» recibió el Premio Anual de la Crítica Literaria, que otorga el Instituto Cubano del Libro y el Círculo de la Crítica. La publicación de Sergio Corrieri, más allá de «memorias…» (2019), de Luisa Marisy, resulta un suceso editorial de primera magnitud. El libro, además de proponer una valoración y una (suerte de) biografía del actor, hurga en pasajes fundamentales de la historia cubana posterior a 1950. En un singular gesto de homenaje, el texto reúne las memorias de Sergio Corrieri en el recuerdo de quienes lo conocieron, las huellas que dejó en los otros. Pero, efectivamente, el libro es mucho más, pues hablamos de un hombre que protagonizó acontecimientos fundamentales de la cultura nacional. Es en ese punto donde el volumen alcanza un relieve mucho mayor: la trayectoria de este intelectual, el alcance de su obra —no solo artística—, estuvo atada al curso histórico de la Revolución. Sergio Corrieri, más allá de «memorias…» incluye una serie de entrevistas realizadas por Luisa Marisy a «un grupo entrañable de compañeros, amigos, colegas de trabajo y familiares de Sergio» para un documental homónimo estrenado en 2018. Sin embargo, la organización interior no responde al modelo tradicional de entrevistas. Precedido por comentarios introductorios de la autora, el libro se divide en capítulos que facetan los distintos períodos de la vida de Corrieri, desde episodios de su niñez, pasando por su experiencia en Teatro Estudio, la creación del Grupo Teatro Escambray, su trabajo en el cine, sus tareas como funcionario de la cultura, hasta desembocar en su vida familiar e íntima. Cada uno de estos capítulos incorpora, según lo demanda el tema en cuestión, los comentarios de los disímiles entrevistados, quienes indagan, explican, analizan junto a la personalidad de Corrieri la eficacia y la importancia de su trabajo, tanto como las circunstancias en que lo materializó. Así se consigue un retrato de grupo capaz de representar al actor —su labor intelectual, sus relaciones interpersonales, sus inquietudes artísticas, su pensamiento— con la mayor complejidad y diversidad de perspectivas posibles.

Imagen de lo sagrado. La religiosidad en el cine cubano de la República (1906-1958) transita un camino que va del cine a los códigos religiosos. Con ello pretende el autor entender la sociedad que produjo estos últimos. Propone una revisión de los enfoques historiográficos que suma el análisis sociológico,  el cultural y el teológico.

Este volumen reúne ensayos y artículos críticos de Homero Alsina Thevenet, uno de los más reconocidos periodistas y críticos de cine en América Latina. El libro ofrece una mirada profunda sobre la historia y evolución del cine argentino, con especial atención a figuras emblemáticas como Florencio Parravicini, Luis Sandrini, Niní Marshall, Alberto Olmedo, Isabel Sarli, entre otros. En conjunto, el libro funciona como una “crónica cultural” que permite comprender mejor los méritos y limitaciones del cine argentino a lo largo del siglo XX

Este libro reúne ensayos críticos de Rufo Caballero, uno de los más influyentes críticos de arte y literatura en Cuba. Su estilo combina reflexión filosófica con análisis cultural, abordando temas como el cine, la literatura y las artes plásticas. El título refleja su tono irónico y existencial, explorando la relación entre la creación artística y la supervivencia en un contexto social complejo. Forma parte de la colección Pinos Nuevos, destinada a difundir voces jóvenes y renovadoras en la literatura cubana de los años 90.

Catálogo de obras cinematográficas, que incluye filmes realizados con una visión propia y propositiva que expresa el potencial creador de un pueblo comprometido con la promoción de su cultura y con la vocación de contribuir su propio destino. Las películas seleccionadas se inscriben en una perspectiva de afirmación de la venezolanidad. Hace uso de técnicas narrativas que configuran una épica y una estética original, buscando enriquecer el dialogo intercultural que este tiempo requiere. Este es un cine hecho con profundo amor por Venezuela, comprometido con la construcción de la Paz y con el propósito de ofrecer una mirada que contribuya a que sea más humana la humanidad.

Este libro es un manual de formación cinematográfica muy representativo de la pedagogía del cine en España durante los años 70. Su enfoque mezcla teoría, análisis del lenguaje fílmico y fundamentos de realización, lo que lo convierte en un testimonio relevante de cómo se enseñaba cine antes de la institucionalización de las escuelas especializadas.

Este libro arroja nueva luz sobre las preocupaciones personales que Hawks vertió en sus películas, mostrando con claridad el sentido ético profundamente arraigado que le permitió estampar su firma característica en lo que una vez pareció a los espectadores casuales una variada colección de piezas de distinto género. La relajada perspectiva cómica de Hawks mantiene sus películas tan frescas hay día como cuando se realizaron, dando vida a este libro, tan cándido como con frecuencia irreverente.

Publicada originalmente en 1957, Les Stars es uno de los primeros estudios académicos dedicados a analizar el sistema de estrellas cinematográficas (star system) desde una perspectiva sociológica y simbólica. Morin interpreta la figura de la estrella como un mito moderno, un objeto de culto mediático en el que convergen la industria cultural, el deseo colectivo y la construcción de identidades. La edición de DOPESA difundió en España estas ideas en un momento de apertura intelectual durante el tardofranquismo, en paralelo al auge de los estudios de comunicación y cine.

Eugene Vale ofrece un análisis exhaustivo de los complejos elementos y factores, tanto creativos como técnicos, que intervienen en la realización de películas. Describe cada paso de la tarea del guionista, desde la elección del argumento, de los escenarios y materiales, la sinopsis, el tratamiento, la continuidad de las secuencias, la caracterización de los personajes y la coherencia de éstos con la historia. La obra muestra los matices y recursos usados en películas famosas al igual que en grandes obras de la narrativa universal para ejemplificar cómo se debe construir un guión. Además, dedica un importante espacio a las exigencias de los nuevos géneros audiovisuales, desde las telenovelas hasta los clips, y enseña cómo adaptarse a las modalidades técnicas más recientes. Su experiencia como famoso novelista y premiado guionista es la base de esta introducción insuperable a la redacción y construcción de guiones para cine y televisión. «Eugene Vale, quien sabe de qué habla, ha resumido los problemas del guionista en un libro brillante y lleno de sentido común.»